名词解释

名词解释

一、 早起（中世纪、文艺复兴）

新艺术：

14世纪，“新艺术“最初是法国作曲家和诗人维特里于1320年所写论文的标题，论文记录了当时欧洲音乐发展的最新成果（可补充）；相对于”古艺术“时期的有量音乐三分法，音值二分法已被接受并实践，引入二分音符，确定三六度音程的谐和性，强调半音的表情意义,”等节奏歌“的运用等。当时的理论家用”新艺术“这一术语来称呼14世纪在法国处于巅峰的新音乐，与13世纪”古艺术“相对，先用来指代整个14世纪欧洲音乐艺术。法国的马肖(可补充代表作)和意大利的兰迪尼（可补充）是欧洲新艺术时期的代表作家。

马肖：

14世纪法国诗人，作曲家。曾供职与卢森堡大公兼波西米亚国王及法王夏尔五世。他是欧洲新艺术音乐的典型代表，所作《圣母弥撒曲》是复调常规弥撒套曲的最早范例，歌普遍采用等节奏技术；他的世俗音乐亦是复调尚松的杰作，有叙事歌、回旋歌和维勒莱，还创作有单声部的行吟歌曲。

歌：

形成于13世纪的多声部复调音乐体裁，在克劳苏拉的基础上形成。2.通常为三声部，低音固定调采用格里高利圣咏曲调，拉丁文演唱，上方第二和第三声部自由创作，用法与

演唱宗教或世俗内容歌词。3.13世纪歌的代表作曲家有佩罗坦、弗朗科等，14世纪等节奏歌的大师为维特里和马肖。

蒙泰威尔第：（重点，每年考）

16世纪末至17世纪上半叶的意大利作曲家，1590年起供职于曼图亚公爵府，1613年起任职于威尼斯圣马可大教堂，是威尼斯歌剧乐派的奠基人，完整留存歌剧作品《奥菲欧》、《尤利西斯返乡记》和《波佩亚的加冕》，确定歌剧中独唱与合唱、主调与复调、声乐与器乐之间的比例关系，强调以音乐手段表达人的情感，创立“激情风格“，并在器乐中采用弦乐的震音和拨弦等新手法。所作世俗音乐作品包括9卷牧歌，努力深化音乐表现力，运用了大量背离传统的手法，走在了时代的前列。蒙泰威尔第在继承文艺复兴音乐成果的同事开创了巴洛克新的声乐和器乐风格。

简答题;

14-16世纪意大利牧歌

牧歌取名自意大利民间的牧人歌曲，14世纪时为二至三声部的抒情歌曲，有时加入乐器，歌词多为田园或爱情诗。包含2-3个诗节，配以相同的音乐，最后一段为两行的结束段“利都奈罗”，音乐与前不同，形成aab的结构。“新艺术”作曲家代表人物兰迪尼写作了14世纪牧歌。

16世纪牧歌指根据知名诗人的短诗歌谱写成的歌曲，许多牧歌出自著名诗人之手，如彼特拉克、桑纳扎罗、瓜里尼和塔索等，牧歌题材宽泛，音乐上它通常不带叠歌，单段居多，每行7-11个音节，韵律自由，音乐风格结合了主调和复调，运用更多的绘词法以

及不常见的和声，是在贵族社交场合演唱的室内声乐曲，其直接前身是费洛托拉。作曲家马伦齐奥、杰苏阿尔多和蒙泰威尔第是意大利牧歌发展到后期的杰出代表。

早期牧歌为无伴奏形式，使用合唱和模仿对位技巧，以灵活的方式来处理歌词细节。早期牧歌作曲家主要有维拉尔特、韦尔德洛等等。

16世纪中后叶，牧歌的发展达到顶峰。“古典”意大利牧歌用模仿复调写作，有四至六个声部，五个声部最为典型，适量采用音乐绘词法与象征手法。代表作曲家有罗勒、帕莱斯特里纳、拉索等。

罗勒确立了用模仿复调写作五声部牧歌的规范，尝试运用富有变化的音体系和其他和声试验。佛兰德乐派大师拉索，写有180首牧歌，运用高超的复调手法写作，广泛的采用了民间歌曲的主题，并大胆拓宽了情感的表现手段。

16世纪末的意大利牧歌在内容和形式上有许多新发展，采用具有戏剧性、悲剧性或宣叙性的内容写作，音乐风格精致典雅，注重独唱的技巧表现，表情手法丰富。作曲家大胆使用黑音符，在织体形成鲜明对比，式结构多为贯穿发展的复调曲式，和声出现了半音化的尝试，旋律风格趋向单音音乐，主调风格进一步明朗化。马伦齐奥、杰苏阿尔多和蒙泰威尔第是意大利牧歌发展到后期的杰出代表。

马伦齐奥写有500首世俗牧歌，生前曾出版18册牧歌集，在英国出版的牧歌集《阿尔卑斯山南的音乐》直接启示了英国牧歌的创作。

杰苏阿尔多的牧歌音乐风格明显与同时代作曲家不同，他注重对歌词进行戏剧化处理，偏爱使用表达痛苦和悲哀的情绪的语句，他在音乐中大量使用强烈夸张的“半音和声”，

是一位锐意革新的作曲家。

蒙泰威尔第是16世纪末意大利牧歌最杰出的作曲家，他的牧歌创作延续了近50年，系统出版了9卷牧歌，前6卷是较传统的五声部复调牧歌，第7卷大多是带伴奏的独唱，第八卷为“军事与爱情牧歌集”，并且多出使用“激情风格”第7、8两卷中还收有短小的舞台戏剧牧歌作品，如《谭克雷迪和克洛林达的决斗》；第9卷称为“牧歌与小坎佐纳”其中4首有通奏低音。 他的牧歌努力深化音乐的抒情表现力，运用不协和音的新形式以表现凄楚感伤的情绪，他还偏好将牧歌作为戏剧小场景来组织，他创造了新演奏法——弦乐器的震弓和拨弦，并载入史册。他也是承前启后的作曲家17世纪很多音乐作法在16世纪提前出现。

二、巴洛克时期和古典主义时期

奏鸣曲式：一种大型器乐音乐结构，定型于18世纪上半叶。有呈示部、展开部和再现部三大部分组成。呈示部包含在调性和个性上形成鲜明对比的主部和副部，它们是全曲的核心主题；展开部发展呈示部出现过的主题，调性频繁转移，极大地造就戏剧紧张度；再现部重现呈示部主题，但所有主题全部统一在主调上，形成音乐戏剧的完满解决。

赋格：

在一个主题形成的多声部模仿对位体裁。其结构因素包括：主题、答题、对题、间插段、呈示部、展开部、再现部，主题是赋格中最早进入的声部，对主题的模仿进入称为答题，每次伴随主题或答题出现并与之形成对位的声部称为对题，赋格就是有主题的多次进入及其对位声部构成，变化主题的手法有增值、减值、倒影、逆行、密接和应等，并有相应的调性和声布局。赋格起源于15世纪末复调声乐曲中的旋律模仿进入，作为的器

乐体裁成型于17世纪，是复调音乐成熟的产物，在的十二平均律，亨德尔等作曲家的创作中获得完美发展。

受难曲：

根据《圣经》中四部福音书关于耶稣受难的记述而谱写的音乐体裁，形成于4世纪，巴洛克时期的受难曲呈现“清唱剧受难曲”的特点，在德国发展蓬勃，泰勒曼、马特松等人都创作过此类作品，最杰出的代表作是德国的《马太受难曲》。

帕萨卡里亚：

来源于西班牙的一种舞曲体裁，17世纪后成为重要的器乐音乐体裁，特点为庄重缓慢、3/2节拍，多为小调，结构为基于固定低音的复调变奏，帕萨卡里亚既有作品，也有套曲作品，在歌剧和键盘组曲中都被广泛运用，的《c小调帕萨卡里亚与赋格》是这一体裁登峰造极的作品。

J.S.： （包括声乐器乐两反面要写）

18世纪上半叶德国作曲家和管风琴家，作品浩如烟海，作有当时盛行的各类音乐体裁，教堂声乐集中于康塔塔、弥撒曲和受难曲，虽然终身未写歌剧，但是歌剧的语汇和戏剧性在《咖啡康塔塔》、《b小调弥撒》和《马太受难曲》等作品中显露无疑。器乐音乐有：为教堂礼仪写作的170多首管风琴曲，如众赞歌、托卡塔与赋格等，为教学而写作的古钢琴曲《创意曲》、《平均律钢琴曲集》、《法国组曲》等，管弦乐作品中包含6首《勃兰登堡协奏曲》、4首《乐队组曲》、《音乐的奉献》等。是巴洛克音乐的集大成者，对位技艺及音乐描绘精湛华丽，精通文艺复兴晚期及巴洛克时期的一切音乐形式，所作音乐有

着实用功能的同时叶独具匠心，富于极高的艺术价值。

《哥德堡变奏曲》

1742年出版的《键盘练习曲》的第四部分，应学哥德堡之请，为患失眠症的驻萨克森大使凯泽林伯爵而写。包括主题与30个变奏，标志着巴洛克变奏曲难以逾越的高峰，30个变奏分为10组，每组都由2个技术性变奏和1个卡农变奏构成，各首卡农依次采用从同度到九度的音程写作，最后一个变奏是一首集腋曲，把两个流行歌曲，以对位手法巧妙的结合起来。

二、 简答题

巴洛克协奏曲的发展

巴洛克时期的协奏曲分为大协奏曲、乐队协奏曲、独奏协奏曲三类。

1、大协奏曲是巴洛克组主要的协奏曲形式，流行的时间也比较长，它由小组“主奏部”和大组“合奏组”对比竞赛，“主奏部”采用三重奏奏鸣曲的四件乐器，通常是一提、二提、古钢琴和大提琴；“合奏组”包含当时的所有弦乐器，有时也加入一些管乐器，共10-12件乐器。柯雷利一生创作了12首大协奏曲，影响了同时代不少作曲家创作，如……（补充）亨德尔，勃兰登堡大协奏曲

2、乐队协奏曲的出现略迟于大协奏曲，它是乐队单独演奏的协奏曲，没有独奏部分，在某种程度上接近于后来的交响曲。托雷利1692年写作的6首乐队协奏曲开此体裁先河，但1720年以后它就与早期交响曲的发展合流了。

3、独奏协奏曲是巴洛克时期最晚出现的协奏曲，但影响深远，这种由一件独奏乐器与管弦乐队相互竞奏的协奏曲，是现代协奏曲的主要形式，我们在音乐会上常见的钢琴协奏曲，小提琴协奏曲就是将钢琴、小提琴作为独奏乐器与乐队进行交流，属于独奏协奏曲的类型。巴洛克时期独奏协奏曲最常用的是小提琴，最早写作独奏协奏曲的作曲家叶多为技艺出众的小提琴家，1698年托雷利写作了最早的独奏协奏曲，他开创了“快——慢——快”三乐章的协奏曲套曲模式，第一乐章和第三乐章采用“利都奈罗”形式。“利都奈罗”是意大利文，原意为“回复”，在巴洛克协奏曲中，指的是每一次独奏段落之后，乐队全奏段落的“回复”，独奏段落各个不同，而利都奈罗（乐队全奏）则完全一样，只是调性变化，这样就形成了乐队全奏和独奏的交替形式：四次乐队全奏，中间插三次乐队独奏。可画图。

而真正使三乐章形式和利都奈罗结构在协奏曲体裁完全扎根而推广，则得益于维瓦尔第，他凭借惊为天人的巨大协奏曲产量（近500首），稳固了“快-慢-快”的三乐章套曲形式，加大各乐章篇幅，并赋予更多个性，如使慢乐章成为具有咏叹调气质的抒情乐章，他还提高了独奏段落的演奏技艺，尤其是快板乐章令人眼花缭乱的炫技性，使之成为小提琴家演奏技术的“试金石”，独奏协奏曲正是由于维瓦尔第的作品才在音乐史中获取无上殊荣的。

海顿的交响曲创作及历史功绩

海顿是奥地利古典主义时期作曲家，海顿是一位古典主义音乐风格的开创者，被称为交响乐之父，104部交响曲，84首弦乐四重奏，是海顿卷帙浩繁的作品中最重要的部分，也因此得名弦乐四重奏之父，事实上，这两种体裁不是他首创的，但在他的反复磨练下，成长为成熟的、足以作为古典主义器乐形式典范的体裁。

海顿的初期交响曲沿袭了意大利序曲的快-慢-快三乐章模式，18世纪70年代收到“狂飙突进“运动思潮的影响，音乐中出现强烈的感情表现，如《第44交响曲”哀悼“》。80年代为巴黎圣灵音乐会而写的6首”巴黎“交响曲趋向成熟，风格受到莫扎特影响，抒情因素更为强烈，配器手法更为丰富，还有风趣生动的标题，如《第83交响曲》被命名为”母鸡“。

90年代两次访问伦敦时创作的12首“伦敦交响曲“，是海顿交响曲的最高造诣，其中大量运用民歌化或舞蹈性旋律，明快洒脱，复调处理恰如其分，配器手法灵活自如，使用多种木管和铜管乐器，乐队效果辉煌宏伟，代表作有《94交响曲”惊愕“》、《第96交响曲”奇迹“》、《第101交响曲”时钟“》、《第103首交响曲“鼓声”》等。“伦敦交响曲“显示出日渐成熟的古典交响曲的风格特征。

在海顿的交响曲中，确立了后来成为古典交响曲标准模式的四乐章形式：第一乐章奏鸣曲式快板，第二乐章行板，第三乐章小步舞曲，第四乐章快板， 第四乐章：就试验添加的一种新型乐章，情绪欢快热烈的快板或者急板，用大型结构奏鸣曲式、回旋曲式、或奏鸣曲回旋曲式写作的规模较大的末乐章，足以产生作为总结性的戏剧性和紧张度，在音乐的高潮上结束全曲，为交响乐套取完善第四乐章，是海魂对于交响乐的贡献之首。与古典主义初期套曲作品相比，海顿管弦乐队的双管编制和近代配器法原则，写作喜歌剧的经历对于他交响曲的创作无不影响，他的交响曲中充满幽默小花招，常博的人们一笑，雅俗共赏的海顿交响曲突出特点，所以他确立了古典交响乐队的双管编制和配器法原则，奠定了近现代交响乐队发展的基础。

贝多芬交响曲创作及历史功绩

贝多分1770生于德国波恩，是古典交响曲的革新者，他在音乐中树立的英雄形象和

革新精神在他的九部交响曲中得到了完美的体现。贝多芬交响曲的创作历史四分之一个世纪，伴随着他所处的时代和生活，因此从中可以看到时代赋予他的思想以及他追求的目标，他毕生向往着资产阶级“自由、平等、博爱“的理想，同时，个人生活上的种种不幸也促使他不断与命运抗争，于是，他塑造了一个斗争中成长的英雄形象。九部交响曲描写英雄的斗争、英雄的内心、英雄的胜利等，像一首描述英雄的叙述长诗，实际上也是陈述了作曲家本人的生活历程。

贝多芬对于交响曲发展的贡献大可估量。他的交响曲有着很深的思想内涵和很强的戏剧性，展开部是他揭示激烈的矛盾冲突的中心部分；他以戏剧诙谐性的谐谑曲取代宫廷化的小步舞曲，作为交响套曲的第三乐章，他的交响曲各乐章之间既是对比的，有采用发展手法进行贯穿统一，使得整个套曲保持了高度的严谨；乐队的编配和表现力方面，也都超越了前人。他的九部交响曲中每一部交响曲在个性和风格上都是独特的，其中，《第三交响曲“英雄“》是贝多芬创作中里程碑式的作品，首先摆脱了海顿、莫扎特的影响，确立了交响曲中的英雄性构思——从斗争到胜利的历程，标志着古典主义交响曲的一次飞跃；《第五交响曲”命运“》是贝多芬在战胜了个人情感挫折和生理疾病带来的悲观绝望后的决心——”我要同命运抗争，决不被他征服“命运动机在四个乐章中贯穿发展；《第六交响”田园“》是英雄在大自然中的真实写照，贝多芬强调作品中侧重表现的是”表现乡间的乐趣在人心里所引起的感受“在每一乐章前写作了说明性的文字 1、到达乡村时所唤起的愉快感受2、溪边景色，3、乡民欢乐的集会，4、雷电——暴风雨，5、牧歌—暴风雨后愉快和感激的心情，这部交响曲是最早的标题交响曲，作曲家；

他的《第一交响曲》呈现传统形式的古典主义风格，颇有海顿之风。《第二交响曲》已形成古典的贝多芬风格。《第四交响曲》亲切抒情，勾勒出宁静致远的生活画面。《第七交响曲》和《第八交响曲》篇幅较小，前者因有鲜明的舞曲而被瓦格纳称为“舞蹈的礼赞“，后者被作曲家称为”小交响曲“。《第九交响曲”合唱“》是他在晚年唯一的交响曲，

是他的交响曲的登峰造极的作品，他构思宏伟，手法新颖，在和声、配器、曲式等方面都有许多创新，不仅为浪漫主义音乐开了先河，还成为后来各种现代音乐技法的先兆，并在交响曲中首次加入合唱，——席勒的诗作《欢乐颂》表达了作曲家对人类和平友爱欢乐境界的追求。

三、浪漫主义时期

名词解释

音乐会序曲：始于19世纪的一种管弦乐形式，类似歌剧或戏剧的序曲，但专供音乐会演出。贝多芬的一系列戏剧配乐的序曲体现了戏剧性和交响性，对于音乐会序曲的创立有重要影响。门德尔松的《仲夏夜之梦》通常被认为是第一部真正的音乐会序曲，19世纪典型的音乐会序曲还有门德尔松的《赫布里底斯群岛》、勃拉姆斯的《悲剧序曲》、柴可夫斯基的《罗密欧与朱丽叶》。

交响诗（交响音画）：单乐章的标题交响音乐体裁。产生于19世纪，创始人李斯特，他的代表作有《塔索》、《前奏曲》等。查理.斯特劳斯将交响诗发展到19世纪的又一高峰，代表作《查拉图斯特拉如是说》、《英雄的生涯》等。在李斯特创作了一系列交响诗作品后，交响诗体裁在欧洲遍地开花，尤其得到了民族乐派作曲家的青睐，如捷克作曲家斯美塔纳《查理三世》、《我的祖国》、保罗延的《在中亚细亚草原上》作曲家称为‘交响音画‘，柴可夫斯基创作的一系列”幻想序曲”的本质就是交响诗，如《罗密欧与茱莉亚》《暴风雨》等，德彪西的管弦乐前奏曲《牧神午后》，三联画《夜曲》和交响素描《大海》的实质都是交响诗。

柏辽兹：浪漫主义时期法国作曲家。浪漫主义标题交响曲形式确立者，代表作《幻想

交响曲》的固定乐思，其他重要作品还有交响协奏曲《哈罗尔德在意大利》从中提琴协奏曲改变过来，戏剧交响曲《罗密欧与朱丽叶》、歌剧《特洛伊人》、《本韦努托·切利尼》、合唱曲《庄严弥撒》、《五月初五》、《的童年》，序曲《海盗》等，大型的戏剧康塔塔《浮士德的责罚》，所著《配器法与管弦乐队研究》被世人推崇为近代作曲技术理论的典范。柏辽兹创作了很多音乐作品，但他的一生却是在贫困饥寒中度过的，老年时又不幸丧妻丧子，终于悲惨地病逝于巴黎。但柏辽兹的名字同法国浪漫主义文学大师--雨果及浪漫派画家德拉克洛瓦相提并论，堪称法国浪漫主义三杰。

幻想交响曲：法国作曲家柏辽兹创作的交响曲。构思来自作家的恋爱经历，因此作曲家亲自撰写了详细的文字说明，引导听众正确的理解乐曲的内容。交响曲共5个乐章，按照音乐表现的内容确定形式，曲中有一个贯穿全曲各乐章的主题“固定乐思”，根据音乐表现的需要进行变化。此曲是标题交响曲历史上了里程碑式的作品。

西贝柳斯：19世纪芬兰民族乐派作曲家，主要创作领域为交响音乐。音诗《芬兰颂》表达了芬兰人民反抗异族侵略的决心；非常简练的动机式展开，根据民族史诗《卡勒瓦拉》写作了标题音乐《列明凯宁四传奇》、《波约拉的女儿》和《塔皮奥拉》等；7部交响曲为纯音乐交响曲

柴可夫斯基：19世纪作曲家。创作丰沛，涉及交响乐、戏剧音乐、标题音乐、室内乐、独奏和独唱音乐各领域，将俄罗斯民族素材与西方专业作曲技巧完美的结合。代表作有6部交响曲（如《第六交响曲“悲怆”》）、11部歌剧（如《叶甫盖尼.奥涅金》、《黑桃皇后》）、3部芭蕾舞剧（如《天鹅湖》）、标题序曲（如《罗密欧与朱丽叶》《哈姆雷特》）等。柴科夫斯基的创作深刻地反映了19世纪下半叶处在腐朽的沙皇制度下，知识分子对光明的向往，注意吸取西欧音乐文化发展的经验，他把高度的专业创作技巧和俄罗斯民族音乐传统很好地结合起来，为音乐文化和世界音乐文化作出了宝贵的

贡献。

《罗密欧与朱丽叶》：以莎士比亚的《罗密欧与朱丽叶》为题材创作的音乐作品，或为标题音乐，或为歌剧，因此主要在浪漫主义和二十世纪时期出现。如上述所述写过《罗密欧与朱丽叶》音乐作品的作曲家有柏辽兹创作的戏剧交响曲，古诺创作的歌剧，柴可夫斯基创作的幻想序曲，普罗柯菲耶夫创作的芭蕾舞剧。

简答题

浪漫主义时期标题音乐的发展：

19世纪新的标题音乐，就将音乐以外的因素化为乐思，用文字来说明其思想内容。所谓“标题音乐”，简单地说，就是有文字作标题的音乐。标题音乐是浪漫主义作曲家将音乐与文学、戏剧、绘画等其他姊妹艺术相结合而产生的又一综合性音乐形式，这是一种用文字来说明作曲家创作意图和作品思想内容的器乐曲。

浪漫主义的标题音乐题材有哪些？

第一、 交响诗

单乐章的标题交响音乐体裁。产生于19世纪，创始人李斯特，他的代表作有《塔索》、《前奏曲》等。查理.斯特劳斯将交响诗发展到19世纪的又一高峰，代表作《查拉图斯特拉如是说》、《英雄的生涯》等。在李斯特创作了一系列交响诗作品后，交响诗体裁在欧洲遍地开花，尤其得到了民族乐派作曲家的青睐，如捷克作曲家斯美塔纳《查理三世》、《我的祖国》、保罗延的《在中亚细亚草原上》作曲家称为‘交响音画‘，柴可夫斯基创

作的一系列”幻想序曲”的本质就是交响诗，如《罗密欧与茱莉亚》《暴风雨》等，德彪西的管弦乐前奏曲《牧神午后》，三联画《夜曲》和交响素描《大海》的实质都是交响诗。

第二，标题交响曲

在此领域，法国作曲家柏辽兹的《幻想交响曲》带有个人情感经历，在每一乐章前都写有详尽文字说明，并以“固定乐思”作为贯穿全曲各乐章的有效统一手段，他标题音乐创作原则，在其戏剧交响曲《罗密欧与朱丽叶》、传奇剧《浮士德的沉沦》中继续得以贯彻； 李斯特 的标题交响曲更注重表达思想内涵和哲学理念，写作了《但丁交响曲》和《浮士德交响曲》柴可夫斯基的《蛮累》。

第三，标题钢琴小品 舒 格里格，穆索尔斯基《图画展览会》

第四，音乐会序曲

始于19世纪的一种管弦乐形式，类似歌剧或戏剧的序曲，但专供音乐会演出。贝多芬的一系列戏剧配乐的序曲体现了戏剧性和交响性，对于音乐会序曲的创立有重要影响。门德尔松的《仲夏夜之梦》通常被认为是第一部真正的音乐会序曲，19世纪典型的音乐会序曲还有门德尔松的《赫布里底斯群岛》、勃拉姆斯的《悲剧序曲》、柴可夫斯基的《罗密欧与朱丽叶》。

第五，标题管弦乐组曲，里姆斯基·科萨科夫的交响乐天方夜谭组曲。

以上代表作品及作曲家表明标题音乐在十九世纪浪漫主义时期是标题音乐一个重要的发展时期，标题音乐得到了完善并被发扬光大。

简述理查.斯特劳斯的音乐创作

已有

四、二十世纪

名词解释

五人团：1860年前后形成的俄罗斯作曲家群体，包括巴拉基列夫、居伊、鲍罗廷、穆索尔斯基和里姆斯基.柯萨科夫五人。它们高举格林卡旗帜，采用俄罗斯民族民间文学和历史题材，运用民族民间音乐语汇，写作富于民族特征性的音乐作品。巴拉基列夫的交响诗《俄罗斯》《塔玛拉》及具有东方色彩的钢琴幻想曲《伊斯拉美》是他最著名的作品；居伊是一位音乐评论家，写有歌剧《高加索的俘虏》《上尉的女儿》等；鲍罗廷是最具民族风格的作品是歌曲《伊戈尔王》，还有交响音画《在中亚细亚草原上》；穆索尔斯基最著名的歌剧《鲍里斯.戈杜诺夫》，钢琴组曲《图画展览会》是作曲家脍炙人口的名作，影响较大的还有管弦乐幻想曲《荒山之夜》，他的音乐语言是这一代俄罗斯作曲家中最为独创的。里姆斯基.科萨科夫是俄罗尔作曲家中最多产的，歌剧写有15部，如《雪娘》《金鸡》等，交响组曲《舍赫拉查德》，还曾撰写专著《管弦乐法原理》及《和声学实用教程》是俄罗斯第一代作曲家和20世纪初作曲家的重要栋梁。

《牧神午后》：法国作曲家德彪西第一部重要的管弦乐前奏曲，也是印象主义音乐里程碑式作品。《牧神午后》根据马拉美的同名诗写作，讲述了古希腊神话中半人半神的农牧神在午后的梦境，德彪西的音乐描绘出诗歌中虚幻朦胧的气氛，暗示了牧神的渴望之情。音乐建立在全音阶体系上，长笛柔和的独奏、带弱音器的圆号的召唤和竖琴的滑奏，轻柔抑制的力度，模糊的调性和节奏，都赋予音乐梦幻与即兴的特点。

六人团：法国20世纪的六人团由六位作曲家组成，他们分别是：米约、奥捏格、普朗克、奥里克、迪雷和女作曲家塔耶弗尔。他们受到科克托艺术理想影响，反对印象主义，赞同萨蒂的美学观念，主张写作简朴纯净的音乐，代表了当时“新古典主义“的音乐倾向。六人团中米约最多穿的一位作曲家，代表作有歌剧清唱剧《克里斯托夫.哥伦布》；奥涅夫是当中伟大的管弦乐作曲家，写有交响诗《太平洋231》等200多部作品，普朗克是优秀的钢琴家，写有许多独奏钢琴曲、钢琴协奏曲，主要歌剧《加尔默罗会的修女》、舞剧《母鹿》、宗教音乐《圣母悼歌》等。

肖斯塔科维奇：

前苏联作曲家，毕业于圣彼得堡音乐学院，《第一交响曲》就成为他赢得世界声誉，曾因歌剧《姆钦斯克县的马克白夫人》受到批判，但历史证明他是20世纪最杰出的的苏联作曲家之一。主要作品为15首交响曲和15首弦乐四重奏，其中的《第七交响曲“列宁格勒“》反映了苏联人民反法西斯战争的史实，在国内外享有盛誉，其他代表作还有清唱剧《森林之歌》、舞剧《黄金时代》、钢琴曲《24首前奏曲与赋格》等。

第二维也纳乐派

以奥地利作曲家勋伯格和他的学生贝尔格及韦伯恩为代表的表现主义作曲家群体，又被称为“新维也纳乐派“，师徒三人都出生于维也纳，并且在音乐创作中彻底瓦解17世纪运用以来的调性体系，创用”十二音体系“的全新作曲法，使他们在20世纪作曲家中居于领先地位。

简述题：

新古典主义音乐：

新古典主义是欧洲20世纪上半叶一场重要的音乐艺术运动，影响广泛，许多作曲家的音乐创作都反映出这一艺术特征。反对浪漫主义和印象主义，主张运用古典形式来写作音乐，创作结构严谨、客观理性而又优雅明晰的音乐。意大利作曲家布索尼和斯特拉文斯基揭开了新古典主义音乐的帷幕。

新古典主义者采用古典主义和巴洛克时期的音乐形式构建作品，写作大协奏曲、古组曲、赋格、卡农、帕萨卡利亚等体裁；提倡用线性的复调思维作曲；远离后浪漫主义对大型管弦乐的偏好，恢复到早期的小型室内乐队的编制；强调音乐自身的表达能力，更多写作与文学戏剧内容无关的纯音乐作品；情感表达冷静、克制、理性；多数新古典主义音乐作品以传统调式调性写作。但20世纪的音乐语汇，如十二音体系、多调性、复节奏、对新音色的探索等手法，也常被融入18世纪音乐形式中，产生全新的音响效果。

代表人物：斯特拉文斯基生于俄罗斯圣彼得堡，早期创作的代表作，就是为贾吉列夫的芭蕾写作的三部芭蕾音乐《火鸟》《彼得鲁什卡》和《春之祭》是他的俄罗斯音乐时期，第二个新古典主义创作时期，如芭蕾舞剧《普尔钦奈拉》和《阿波罗》、《管乐八重奏》、《C大调交响曲》、歌剧《浪子的历程》；1952年转向十二音体系音乐创作，1965年开始创作整体序列音乐作品，晚期代表作有舞剧《阿贡》、钢琴曲与乐队《乐章》、《安魂圣歌》等，尽管涉足最前卫的创作技术，但他的音乐中一直保持着特有的个性。

新古典主义音乐代表人物还有德国作曲家欣德米特，20-30年代是他“新古典主义“创作时期，1927年完成的7首《室内音乐》集中体现了他的”新巴洛克“风格；30年代以后，进入他的综合时期，这种新风格在歌剧《画家马蒂斯》、舞剧《最尊贵的显圣》趋向稳定；1942年，为钢琴独奏写作的一套曲集《调性游戏》，作品由前奏曲、间奏曲、

后奏曲和12首赋格分别建立在自然音阶的12个半音调性上，各调性的关系按照”等级系统“从近到远依次排列，”后奏曲“是”前奏曲“精确的逆行。乐曲将复调手法与现代音乐语汇结合，具有新古典主义的特点，被誉为20世纪的《平均律钢琴曲集》。

代表人物法国作曲家萨蒂，他认为德彪西的音乐过分讲求精致文雅、色彩绚丽，而未来的法国音乐应该是简洁朴实、平易自然的。为了与之形成对比，萨蒂的乐曲总是标上，这样的标题：钢琴曲《脱水胎儿》《可憎的一瞥》、《冷淡曲》等，但萨蒂的音乐确实简单纯朴，毫无矫揉造作之感，无论是旋律还是织体，都体现了“新古典主义“风格的质朴。他的三部较大作品为：芭蕾舞剧《墨丘里》和《稍息》，交响戏剧《苏格拉底》。

代表人物还包括法国的“六人团“，法国20世纪的六人团由六位作曲家组成，他们分别是：米约、奥捏格、普朗克、奥里克、迪雷和女作曲家塔耶弗尔。他们受到科克托艺术理想影响，反对印象主义，赞同萨蒂的美学观念，主张写作简朴纯净的音乐，代表了当时“新古典主义“的音乐倾向。六人团中米约最多穿的一位作曲家，代表作有歌剧清唱剧《克里斯托夫.哥伦布》；奥涅夫是当中伟大的管弦乐作曲家，写有交响诗《太平洋231》等200多部作品，普朗克是优秀的钢琴家，写有许多独奏钢琴曲、钢琴协奏曲，主要歌剧《加尔默罗会的修女》、舞剧《母鹿》、宗教音乐《圣母悼歌》等。

表现主义音乐简述：

表现主义音乐与表现主义绘画一样，于20世纪初在德奥发展，反对印象主义音乐对大自然的客观描绘、对光影和气氛的热爱以及音乐整体的温和愉悦，它们更主张凸现人的内心主观感受，强调挖掘潜意识，并以夸张的形式表现出来。

表现主义音乐的代表人物是奥地利作曲家勋伯格和他的学生贝尔格及韦伯恩，它们为

成为“第二维也纳乐派“，以奥地利作曲家勋伯格和他的学生贝尔格及韦伯恩为代表的表现主义作曲家群体，又被称为“新维也纳乐派“，师徒三人都出生于维也纳，并且在音乐创作中彻底瓦解17世纪运用以来的调性体系，创用”十二音体系“的全新作曲法，使他们在20世纪作曲家中居于领先地位。

勋伯格生于维也纳，1923年左右形成“十二音体系“作曲法，奠定其20世纪音乐巨匠的地位。

孙伯格的创作通常被分为4个时期：1、后浪漫主义时期，音乐创作受到瓦格纳、马勒、查理.斯特劳斯的影响，代表作有弦乐六重奏《净化之夜》和康塔塔《古列之歌》等；2、二十世纪进入无调性时期，写作了无调性的音乐作品《五首管弦乐小品》、独角音乐话剧《期待》、配乐戏剧《幸福之手》和配乐诵唱《月迷比埃罗》等；3、二十世纪是他的十二音时期，创作了《钢琴组曲》、《乐队变奏曲》和歌剧《摩西与亚伦》均采用十二音体系写作；4、晚期在美国，风格多样化时期，有回归调性音乐作品《主题与变奏》，有用“十二音”写作的康塔塔《一个华沙的幸存者》，还有更激进的序列主义音乐作品《小提琴协奏曲》和《弦乐三重奏》等。

贝尔格师从勋伯格，他的作品虽不多，但是质量上成，以“十二音体系”创作的《小提琴协奏曲》、弦乐四重奏《抒情舞曲》和未完成的舞曲《露露》显露了他的才华。但他在纯理论的十二音体系创作中融入较多情感，形式上加入了一些传统体裁的调性因素。贝尔格也是20世纪歌剧的重要作曲家。歌剧《沃采克》为自由无调性音乐作品，剧情悲情，表现了战争对人性的摧残。

最后一位代表人物韦伯恩，与贝尔格同为孙伯格门生，他的作品数量共31个，大多篇幅短小，主要是歌曲、合唱和小型室内乐，十二音音乐约占一半，代表作为《五首管弦

乐曲》、弦乐四重奏《小曲六首》、《9件乐器的协奏曲》和《钢琴变奏曲》等。他也运用了十二音技术写作音乐，但他手法比勋伯格和贝尔格更为精简。他的音乐旋律仿若短小的“格言主题“，往往呈现为的二音或三音“动机”，这些看似孤立的动机，在音乐的后面发展中，被作曲家按照对位原则和节奏组合有机的结合，形成整体。在十二音体系中常有严格的模仿复调， 他的音乐提高了乐器音色的地位，显示出“描述主义”艺术的特点，预示了整体序列音乐的某些观念，对后来的作曲家有极大启示。